Der Künstler Finn Stone

30. June 2019 at 10:58
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Der Künstler Finn Stone (geb. 1971) lebt und arbeitet in London als Künstler und Designer. Als ebenso spielerischer wie heller Funke hat er mehrere Skulpturen, Gemälde und Möbel im öffentlichen Raum auf seinem Gewissen”. Bekannt ist er bisher vor allem für seinen weltweit verkauften Polyethylen-Kugelstuhl und seine Einzelbilder, die alle akribisch aus Pinsel hergestellt wurden.

Humor spielt eine große Rolle in seiner extravaganten Arbeit. D.h. nicht im Sinne eines künstlichen intellektuellen Gehirnfickes, sondern als raffinierte visuelle Wortspiele, die eine erfrischende Lebensfreude vermitteln. Die Objekte sind genau die Art von überschwänglichen Dingen, die einen zum Lächeln bringen – auch wenn man am wenigsten in der Stimmung des Lächelns ist. Eines ist sicher über den Beitrag von Stone zu Kunst und Design. Wenn wir unser eigenes Vermächtnis wählen würden, wäre das sicherlich einer unserer Favoriten. Es ist alles wie dieser sprichwörtliche Furz in der Trauerprozession, den wir so dringend brauchen, um den Tag zu überstehen.

Finn Stone hat zwar eine Affinität zu sehr vielen Materialien, arbeitet aber gerne mit Aluminium und Glasfaser. Er zyklisiert gefundene Objekte und verwendet alltägliche Haushaltsgegenstände wie Lego- und Spielzeugautos neu. Zum Beispiel der Königszapfenschreibtisch aus Harz, Leder und 1000 Silberknöpfen oder die Wandlampe Cyberdog, die dem Design ein TV-Etui der 70er Jahre verleiht. Es ist Zeug, das man einfach haben muss.

Aber noch wichtiger ist, dass Finn Stones Werk mutig und bedeutsam ist, wenn man es im Kontext unserer Zeit betrachtet. Du siehst die Tatsache, dass Kunst in mehr als nur ihrem ästhetischen Sinn nützlich sein kann; sie verweist sein Genre darauf, weder Kunst noch Design von Menschen zu sein, die in der Vergangenheit festsitzen. Natürlich können wir das in nicht allzu ferner Zukunft alle als Fehlbenennung betrachten, denn das Werk ist genauso viel Kunst wie Design.

Die Überschneidung ist intelligent und stark

Tatsächlich ist das, was heutzutage gewagt die Grenzen überschreitet, weder Schockkunst noch Minimalismus oder Konzeptkunst. Nein, es ist die bildende Kunst, die auch ein funktionales Gestaltungselement hat.

Es ist gewagt, weil es flussaufwärts geht und eine schwere Ladung von Andersartigkeit trägt, wenn man die Vergangenheit betrachtet. Vor dem Ersten Weltkrieg entschied die Avantgarde, wie die Elite damals genannt wurde, recht schnell, dass die Philosophie für Design und Kunst zwei sehr unterschiedliche Einheiten waren.

Erstens wurde das Design einer schrecklichen Säuberungsaktion unterzogen, obwohl das Ergebnis dieses Frühjahrsputzes demokratisiert und in Massenproduktion hergestellt wurde, die wir uns alle leisten konnten. Für die modernistischen Puristen entsprach das Design jedoch bis heute 90% Funktionalität. Und, obwohl nie explizit erwähnt, sollten die restlichen 10% Ästhetik irgendwie nur für sich selbst sorgen. Es wurde verstanden, dass ein ergonomisch gestalteter Stuhl, sagen wir, einfach seine eigene Art von Schönheit schaffen würde. Außerdem wurde das Möbel- und Industriedesign bald sehr ernst. Wo Möbel früher charmante Macken hatten – wie von ihrem Begründer geliehen -, gehorchte sie nun dem neuen Dogma wie eine Religion.

Die Kunst entwickelte sich in Bezug auf den Tunnelblick nicht besser

Schönheit zum Beispiel wurde zu einem Schimpfwort. Im Rückblick war es eine legitime Reaktion auf die Jahrhunderte der Sklaverei auf die Schönheitslehre (vgl. akademische Kunst). Die bildende Kunst war nun Staffelei-Kunst, Readymades, Land Art, Skulptur und Performances. Letztere wurden etwas schizophren und sahen sich in den siebziger Jahren eine Zeit lang als Geschehen.

In dieser Zeit wurde die Schnittstelle zwischen Möbeldesign und Kunst verpönt und mit einer gewissen Kälte angesprochen. Zugegeben, es gab seltene Ausnahmen. Denken Sie hier an Verner Panton und sein Plastikhaus (es könnte helfen, LSD mitzunehmen, um Schritt zu halten) oder Salvador Dalí mit seinem Lippensofa, Händestuhl und Hahntelefon. Diese Stunts wurden gerade noch toleriert, weil Dalí ein exzentrisches Genie war, wenn nicht sogar ein zertifizierter Obstkorb.

Aber mit den postmodernen 1980er Jahren erwärmte sich die High Society plötzlich für Il Banale Möbel aus Italien. Im Laufe der 90er Jahre wurden wir Zeuge eines erfrischenden Drangs, nicht zu weit hinten zu sein. Plötzlich war es willkommen, ein wenig Humor, Satire und Eigenart in die Kunst und das Design zu bringen. Es folgten der Kitsch, der anspruchslose, japanische Superflat und das pop-surreale Revival.

Bis 2015-2016, und es gibt immer noch nur wenige, die wirklich komfortabel in dieser Grauzone arbeiten, in der das Objekt genauso viel bildende Kunst wie Design ist. Finn Stone glänzt an dieser heißen Grenze, die Ihnen weder einen Red Dot Designpreis noch viel Platz in der Kolumne des Artforum Magazine einbringt.

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